PICTORIALISMO
La fotografía desde su origen se
desarrolló paralelamente a las artes plásticas, la cual, se encontraba en pleno
auge del realismo.
Fueron varios los pintores que
utilizaron la fotografía como ayuda para
elaborar sus obras.
Otros decidieron dejar sus
herramientas “primitivas”, y abrirse paso en la nueva técnica de generación de
imágenes.
Tal es el caso de David Octavius
Hill, Nadar, Eugene Delacroix etc. (5)
La relación que se ha dado entre la
fotografía y la pintura representa definitivamente con la aparición del “pictorialismo”,
un punto histórico importante en el desarrollo teórico y estético del medio
fotográfico.
El pictorialismo surgió a
partir de la polémica que suscitaron algunos grupos de artistas y pensadores,
basándose en la excesiva fidelidad en la representación de lo real que era
capaz de hacer la fotografía; lo cual hacía imposible denominarla arte, por ser
un medio autómata de generación de imágenes.
Los
pictorialistas, hacia finales del siglo XIX, oponiéndose y
reaccionando contra la idea de la fotografía como simple técnica de registro
objetivo de la realidad, pretendieron elevarla al status de las bellas artes a
través de recursos propios de la pintura, es decir, a partir del tratamiento de
la imagen fotográfica manipulando e interviniéndola de diferentes maneras, por
ejemplo: el flou, los efectos de indefinición “como en un dibujo”, composición
de temas, y, posteriormente, innumerables intervenciones sobre el negativo
mismo, confiriéndole a la imagen una atmósfera pictórica, con ayuda de
pinceles, lápices etc.
Es de este modo que los pictorialistas
reaccionaban frente a los supuestos efectos deshumanizadores de la ciencia, la
tecnología y la industrialización. Ellos utilizaban la fotografía como una
práctica de libertad (6), dándole énfasis a los procedimientos
artesanales.
Los pictorialistas, en
general, eran burgueses ilustrados y admiradores de la cultura clásica, que
buscaron sus temas sobre todo en la naturaleza y la vida rural.
Uno de los principales exponentes del pictorialismo,
fue el“fotógrafo” inglés: Henry Peach Robinson (1830-1901), que
construía imágenes en estudio basándose en la artificialidad de la composición.
Por otra parte realizaba imágenes compuestas por yuxtaposición de varios
negativos (combination printing).
Como contraparte a esta concepción estética,
suscitada por la aparente falta de personalidad que tenía por esos tiempos el
medio fotográfico, junto a toda la polémica que se dió, por los supuestos
efectos deshumanizadores de los medios técnicos de generación de imagen, surgió
el nombre en primera instancia de Peter Henry Emerson (1856-1936).
Peter Henry Emerson estaba en contra
de la fotografía realizada por Henry Peach Robinson.
La concepción que tenía Emerson
del arte estaba basada en principios científicos, para él la tarea del artista
era imitar el efecto de la naturaleza sobre el ojo humano.
Hacia
1889 Emerson publicó en Inglaterra su libro Naturalistic Photography
For students of the art (fotografía naturalista para estudiantes de este
arte), un manual técnico y estético en donde sentaba las bases de su
pronunciamiento sobre la fotografía “pura” o “directa”.
Posteriormente Alfred Stiegitz
(1864-1946), fue el impulsor del denominado purismo fotográfico (Straight
Photography); punto clave al hablar del desarrollo de la fotografía
modernista, contraponiéndose de esta forma a las posturas ideológicas y
estéticas pictorialistas.
Seguidamente citaré una síntesis de
aquel pronunciamiento:
(1)Que
la fotografía es un medio independiente,
con sus propias características inherentes, y es potencialmente una gran
forma artística.
“El retoque es el proceso por el cual
una fotografía buena, mala o indiferente es convertida en un mal dibujo o mala
pintura... la técnica de la fotografía es perfecta, no se necesitan estos
apoyos torpes... Evite recortar en cualquiera de sus formas; destruye la
textura y el tono, y por lo tanto la verdad de la imagen... Con todo el cuidado
del mundo, el mejor artista vivo no podría satisfactoriamente hacer esto
(combination printingde varios negativos en combinación).
La
naturaleza es tan sutil que es imposible hacer este tipo de unión de retazos
(patchwork) y representarla... aunque dicho “trabajo” pueda producir efectos
sensacionales en galerías fotográficas, no es mas que el arte de la opera
buffa” (7)
De este modo el fotógrafo Peter Henry
Emerson, manifiesta mediante este pronunciamiento, una filosofía que sienta las
bases de una práctica fotográfica que influenciaría a Alfred Stieglitz,
mediante el libro que llegaría a sus manos, junto con la carta escrita por
Emerson el 16 de marzo de 1889. (8)
Como bien se ha citado, los
planteamientos se centraban en concebir la fotografía como un medio
independiente, que, con sus cualidades inherentes de creación, es
potencialmente una gran forma artística
que no requiere de influencias o ayudas de otros medios.
Como dato histórico es importante
señalar que Alfred Stieglitz, dentro de todo este afán por ahondar en la
sustancia de lo fotográfico, propuesto en primera instancia por Emerson,
influenciaría a todo un grupo de fotógrafos norteamericanos como “los
secesionistas neoyorquinos”, y el grupo californiano f/64, quienes tenían como
característica en común la sobre valoración de una serie de cualidades del
medio fotográfico, por ejemplo: la máxima resolución, fiel traducción de la
escala tonal,instantaneidad, etc., un repertorio que seguía definitivamente un
programa estricto, según el cual los fotógrafos habían
asumido
las cualidades inherentes del medio, es decir su origen óptico mecánico.
Jualia Cameron
Demachy Robert Struggle
Sadek
Henry Robinson
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